Shepard Fairey的作品

       Obey运动可解释为一种现象学实验，现象学的首要目标便是要唤醒人们对环境的惊叹。Obey运动试图激起人们的好奇心，让他们对该运动和自身与环境的关 系提出质疑。由于一开始会不习惯看到动机不明的广告或宣传，但是在频繁地接触新奇的Obey广告后，会促使人们思考，或许也有可能引发些许挫败，但是却也 能唤回观众对细节的洞察力和注意力。
　　Shepard Fairey应该不需要多做介绍了吧！如果你在街上看过这样的贴纸：一张Andre the Giant(安德列巨人，摔角明星)的脸，下方有OBEY字样，那么你对他的作品应该不陌生。他创造的这个图像以其特有的方式风行全世界，停止标志和商店 橱窗上的油印贴纸、广告招牌上的巨型海报、涂鸦和刺青，非法制造的各种版本更是源源不绝。它已悄悄融入我们的文化，侵入我们的生活领域，它让我们对所有事 情提出质疑，这也正是Shepard想要传达的讯息。有趣的是这整件事其实是个街头媒体实验；将近十六年来，几乎全世界的人都在不知不觉中成为 Shepard现象学的实验对象。

　　以下文字摘自 PlayTimes No.15 部分内容

　　Shepard Fairey 访谈

　　你是如何成为现在的Shepard Fairey？这一切又是如何开始的？

　　伴随我成长的是滑板运动和庞客摇滚乐，我对这类的贴纸、模板、T恤图案情有独锺。我年轻时，喜欢以手绘或模板作画、自制T恤。所以大学也选择艺术学校就读。

　　大一的暑假我到一家滑板店工作，把自己的手绘T恤和贴纸放在店里寄卖。有个朋友想学贴纸制作，我翻遍报纸找了张Andre the Giant的照片，觉得很有趣，于是建议朋友把那张照片做成模板，但他说这么做很蠢，不过我还是觉得很有趣，所以做了张贴纸开始四处张贴，贴在滑板公园、俱乐部、市内各处的停止标志上，接着，报纸报导了这件事，开始询问Andre the Giant贴纸是怎么回事，这也让我兴起了从事街头艺术创作的念头。

　　我的灵感来自涂鸦，其实我不算是涂鸦艺术家，比较象是滑板族。我开始制作那些贴纸时，发现它引起很大的反应，贴出去的贴纸愈多，引起的反应就愈大，人们也就愈好奇。这个创作从无到有，我一直很喜欢这个构想，这也就是故事的开始。

　　年纪稍长后，我开始应用Andre the Giant这个图案，把它简化成今天随处可见的Obey图像。我把这个图案运用到所有的创作上，并且将以往的作品修正成为更完美的艺术品；另外我还是继续 制作T恤，因为贩售T恤的收入可用来支付我贴在街上海报所花的费用。这是个不错的策略，张贴了这么多贴纸和海报，总得卖些东西来赚取收入。

　　当我以街头艺术家的身份逐渐打响名号后，愈来愈多人想找我设计，象是T恤、唱片包装、商标等，我就这样踏入平面设计的圈子。

　　Obey运动已使大众逐渐体认到强大的品牌意识，Obey贴纸及海报成功地散布这个荒谬的讯息，这是你本来的目的？还是无心插柳？或两者皆是？

　　一开始，只是个玩笑，但后来发现人们在公开场合看到的多半是广告，当他们看到某样东西，却不知道它在广告什么时，更能引发他们的好奇心。 Obey运动利用了人们的品牌意识，他们总认为每样东西都是要促销某个品牌，他们想知道Obey到底在为谁打广告。Obey的神祕性让它掌握更大的力量， 因为人们想知道这是怎么一回事，因此虽然Obey的本意并非品牌广告，而是研究品牌意识周围的所有变量，但它却快速朝向广告发展，并影响它势力所及的所有 人。我问我自己这是怎么回事，答案就是你在公开场合看到的每样东西都是广告，Obey运动其实是广告的替代品，它在广告上打了个大问号。

　　你的作品横垮街头运动与企业识别标志，评论家认为你跨越界限破坏了作品的正统性，你对这点有什么看法？

　　街头艺术是接触大众的工具，它无需经过任何人审查，但它只是昙花一现，无法持久。单单街头艺术无法成就一份职业，因为街头艺术只会花钱，不 会赚钱。我现在的工作，可以让我维持一间收入不多的展览馆或是一份不甚畅销的杂志，用来促销我喜欢的东西，并创造一个创作者得以成长茁壮的空间。如果我只 从事街头艺术，我绝不可能做到现在这样，对我而言，这是我生活的能力，我用我自己的方式生活。我仍视街头艺术为宝，也仍从事这方面的创作，街头艺术不只是 踏脚石，但它不会让你留名青史，我做的这些事是为了投资我的未来，除了现实的因素，我还考虑到我个人想拥有充满创意的生活方式以及我的同事。那些说我搞破 坏的人实在太天真了，他们不了解这个世界运作的方式。知道创作者生存不易的人不会说这些话，因为他们能够看出我正用自认为合理的方式寻求平衡。

　　2003年发生了什么事，让你决定设立自己的工作室？能不能请你多介绍一下Studio Number One，以及你在那里的作品？

　　1990年代中期，我应邀从事平面设计，当时我还不知道如何使用计算机。我在1996年搬到加州与朋友共事，他叫Andy Howell，是位职业滑板选手，也是New Deal Skateboards and Element Skateboards的创办者之一。我搬到加州在他手下工作，还有另外一位Dave Kinsey，他当时在另一家滑板公司担任设计师，我们三个就这样开始筹备我们的商业平面设计作品集，而我也开始向他们学习如何使用计算机。

　　在1997年，我和Dave Kinsey一同成立设计公司BLK/MRKT(Black Market，黑市)，我们在这间公司共事到2003年，因为个人理念差异，我和Dave分家，成立自己的工作室Studio Number One，并拥有100%的掌控权。

　　Studio Number One只是我在BLK/MRKT工作的延伸，但我认为前者较佳，因为我有100%的掌控权，而且我手下尽是杰出的人才。我们什么案子都接，我们做过 Billy Idol和黑眼豆豆的唱片包装，去年夏天替黑色安息日乐团设计巡回演出的海报，替Johnny Cash的电影“为你钟情”绘制海报，也为Plan B Skateboards设计一系列滑板图案。我们接手的案子范围很广，这是赚钱的好方法，同时也能接触酷炫的玩意儿，很多案子的东西对我都有极大的吸引 力，即使不拿分毫我也想参与其中。这些工作让我得以维持生计，好处是我可以任意挥洒艺术，不必担心销路问题，举例而言，我可以做一张反布什的海报，这可能 会导致某些人不快，但我不必担心这会影响销路，因为我有来自平面设计工作的收入。我认为作为一个无拘无束的艺术家，同时也替客户工作，对我来说是个很好的 方法。

　　你认为Swindle的意义为何？对出版现况的意义又为何？现在市面上已有许多其他相关杂志…它有什么不同？

　　“Swindle”之名来自性手枪乐团的“The Great Rock and Roll Swindle”。庞客摇滚乐改变了音乐界运作的方式，而我们正试图改变杂志运作的方式。我们生产两个版本：像书一样的精装版和平装的报摊版。首先，我必 须声明这是本值得收藏的杂志，我们看到多数杂志内容充斥宣传广告和最新时尚；两个月后，这些杂志的价值已荡然无存。我们想要出版的杂志，不只反映“现 况”，还加上“现况的由来”，象是大众文化的历史。杂志内容偏重艺术、设计、时尚，以及三者间相互的影响，我们也会尽量在每一期都刊登令人回味无穷的故 事，让它的价值不致于瞬间即逝。

　　Swindle是你的预设品牌广告，替Studio Number One的所有作品及产品线做宣传，从贴纸到T恤，所有在Shepard Fairey的图像上稍作变化的产品皆含包括其中，真的是这样吗？

　　当然，Swindle会用来促销我喜欢的东西，它同时也宣传我的设计能力，以及我参与的所有案子，这是个很棒的营销工具。

　　我们来谈谈Obey服装吧！我是Obey T恤的头号粉丝，我认为它是你街头艺术的延伸，这一点对传递你的讯息有多重要？

　　我觉得Obey服装只是另一种宣传形式，就像街头海报。藉由这些服装，我想尝试连结我喜欢的街头艺术，让人们欣然接受我对政治、音乐或文化 中的图案力量的想法。时尚的脚步走得飞快，你必须不停地设计，我试着让每样服装设计作品都成为艺术品，就像我的艺术，我对Swindle的观念也是一样， 我不想因为时下流行就设计某些东西，我想设计的东西，是让我在几年后回头看来，能够说这一切都有其意义存在 – 我个人的设计、杂志、街头艺术和T恤图案。

　　从事这一行将近十七年，画海报、做贴纸、做模板、开服装公司，现在又是设计工作室和杂志，你几乎做遍、看遍所有事情，你对这整个都市/街头现象有什么想法？看来几乎所有人都正掉入这个游戏陷阱里头。

　　我对街头艺术的喜好永远不会改变，但街头艺术本身有个很大的不同点，即它的表现形式，街头艺术对任何人皆唾手可得，欣赏街头艺术不需花上大 把银两，你也可以做出一张海报或拿起喷漆罐涂鸭。我厌恶的是街头艺术风格渗透进广告和街头艺术家遭企业利用，这对以热情冒险创作但被逮捕的人并不公平；我 也厌恶街头艺术家利用街头艺术作为举办展览的跳板，一旦成功便弃之如敝屣。另外还有一个大问题，由于现今网络四通八达，有些人到外头找个非常安全的地方作 画，然后再拍照，假装是货真价实的街头艺术，将照片传送至Wooster Collective或其他网站。我个人认为街头艺术就是要真的走上街头冒险，这听来象是陈腔烂调，但身为艺术家就是要付出应有的代价，这些年来我进出警 局十三次，我知道有些艺术家被逮捕一次之后就不再创作街头艺术，他们以街头艺术家的身分自居，但实际上却不事生产。

　　你认为这个文化是否正在发展阶段，还是已达成熟境界？

　　我认为它还在发展阶段， 像Space Invader用砖瓦创作，Banksy的精巧模板和监视器上的乌鸦雕像，我认为不断有人会将街头艺术带往新的方向，就像十八世纪的地铁被涂鸦后，当局想 出办法制止，将车厢涂上一层新颜料。所有事物都会随着时间演进，街头艺术也不例外，也许除了用模板和贴纸创作外，还会出现新的创作形式。这一 切之所以意义重大，是因他们使用廉价材料，不需倾家荡产。我认为人们会找到方法抒发自己，无论是否会被起诉，或有关当局清理的速度有多快。我必须承认我很 高兴在十五年前就开始创作街头艺术，当时要从事街头创作比现在容易得多；我之前在纽约每天带着贴纸来来去去，警察也不以为意，但现在贴一张贴纸，你可能就 会被带进警局。

　　你也设计过一些玩具，像Qee和Dunny等等…你对潮流玩具这个概念有什么看法？这种表现形式又如何传递出艺术家或设计师想表达的讯息？

　　我认为艺术家可以用任何在其能力范围内的方法，将讯息传达出去。我喜欢玩具，但不会疯狂收集。我对玩具的看法是，制作这些玩具的艺术家，将 之塑造为艺术原型，标价数百或数千美元，但玩具应该是一百元以下能买到的东西；这些玩具总是限量发行，表示它的价值迟早会上涨，但我个人认为，玩具不过是 另一种艺术材料，不同人有不同的使用方式，有些人的创意总是略胜一筹，见识不同的表现手法是很有趣的一件事，某人拥有我欣赏的独特绘画风格，他设计出的玩 具也很可能与众不同。另外，我认为潮流玩具市场会过于饱和，但目前它还是当红炸子鸡，像现在市面上的Kubrick、Qee、Trexi，但我想他们需要 在身形上下功夫，才能让这个市场继续活络下去。

　　当前设计界你觉得谁游走在尺度边缘？谁走在时代尖端？谁的作品能获得你的青睐？

　　有几个来自明尼亚波利的家伙，自称Aesthetic Apparatus，他们是疯狂设计师，但同时也接一些商业性的案子，并和一些乐团合作。Ryan Mcginness很棒。还有一些来自洛杉矶的家伙，叫做A National Forest，其中一人在成立自己的公司前曾替我工作。

　　算是做个总结…有哪些品牌能真的激发你的灵感？哪些品牌曾让Shepard Fairey 甘于放弃金钱？

　　我是爱迪达的头号粉丝，他们的合作对象像Run DMC、Beastie Boys、Bob Marley和Muhammad Ali都是我尊敬的人；我喜欢爱迪达的球鞋风格胜过其他品牌；我可能也会协助他们在Adicolor活动做店内展示。另外，我还喜欢Stussy这些年的作品，他们的设计质量都维持在一定的水平。老实说，我不怎么崇尚品牌，我大部份的东西都是自己做的。

       Shepard Fairey 在 2011 年 N.E.R.D. 发布第一张专辑时为其设计了 “大脑” 的 Logo，日前双方再度携手推出了以 “Cracked But Unbroken” 为主题的版画和 T 恤。此套版画限量 200 套，18 x 24 英寸的印刷画主视觉为 N.E.R.D. “大脑” 标志为中心向四周发散，包含几何纹路肖像等元素，以及 Shepard Fairey 标志性的红色、米色、蓝色配色组合。同时发布的还有以版画图案为主设计的 T 恤。本次合作产品除了在 ComplexCon 有售之外还可在 Obey Giant 网站找到，销售所得将捐赠美国非盈利的民权组织 “南方贫困法律中心”（Southern Poverty Law Center）。